ข้อใดจัดว่าเป็นเมืองศูนย์กลางหลักของดนตรีในยุคคลาสสิก

ยุคคลาสสิกเป็นยุคของดนตรีคลาสสิกระหว่างประมาณ 1730 และ 1820 [1]

ระยะเวลาคลาสสิกตกระหว่างบาร็อคและโรแมนติกงวด ดนตรีคลาสสิกมีเนื้อเบาชัดเจนกว่าดนตรีบาร็อคและมีความซับซ้อนน้อยกว่า มันเป็นส่วนใหญ่homophonicใช้ที่ชัดเจนทำนองบรรทัดกว่าคอร์ดัใต้บังคับบัญชาคลอ , [2]แต่ความแตกต่างโดยไม่ได้ลืมโดยเฉพาะอย่างยิ่งต่อมาในช่วงเวลา นอกจากนี้ยังใช้ประโยชน์จากสไตล์ galantซึ่งเน้นความสง่างามแบบบางเบาแทนความหรูหราสง่างามของบาร็อคและความยิ่งใหญ่ที่น่าประทับใจ ความหลากหลายและความคมชัดภายในชิ้นงานมีความเด่นชัดมากขึ้นกว่าเดิมและวงออเคสตราก็มีขนาดช่วงและพลังเพิ่มขึ้น

ฮาร์ปซิคอร์ดถูกแทนที่เป็นเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดหลักโดยเปียโน (หรือฟอร์เตเปียโน ) ต่างจากฮาร์ปซิคอร์ดที่ดึงสายด้วยขนนกเปียโนตีสายด้วยค้อนที่หุ้มด้วยหนังเมื่อกดปุ่มซึ่งจะทำให้นักแสดงสามารถเล่นได้ดังขึ้นหรือเบาลง (ด้วยเหตุนี้จึงมีชื่อเดิมว่า "fortepiano" ตามตัวอักษร "เสียงดังเบา ๆ ") และ เล่นกับการแสดงออกมากขึ้น ในทางตรงกันข้ามแรงที่นักแสดงเล่นคีย์ฮาร์ปซิคอร์ดไม่ทำให้เสียงเปลี่ยนไป ดนตรีบรรเลงถือเป็นสิ่งสำคัญโดยนักแต่งเพลงยุคคลาสสิก ประเภทหลักของดนตรีบรรเลง ได้แก่โซนาต้า , ทรีโอ , วงเครื่องสาย , ควินเต็ท, ซิมโฟนี (แสดงโดยวงออเคสตรา) และโซโลคอนแชร์โตซึ่งมีนักแสดงเดี่ยวอัจฉริยะที่เล่นงานเดี่ยวสำหรับไวโอลินเปียโนฟลุตหรือเครื่องดนตรีอื่น ๆ พร้อมด้วยวงออเคสตรา ดนตรีประกอบเช่นเพลงสำหรับนักร้องและเปียโน (โดยเฉพาะงานของชูเบิร์ต) งานร้องเพลงและโอเปร่า (งานละครสำหรับนักร้องและวงออเคสตรา) ก็มีความสำคัญเช่นกันในช่วงเวลานี้

นักแต่งเพลงที่เป็นที่รู้จักกันดีในช่วงนี้ ได้แก่โจเซฟไฮเดิน , โวล์ฟกังอมาเดอุสโมซาร์ท , ลุดวิกฟานเบโธเฟนและฟรานซ์ชูเบิร์ต ; ชื่อเด่นอื่น ๆ ได้แก่คาร์ลฟิลิปป์มานูเอลบาค , โยฮันน์คริสเตียนบาค , Luigi Boccherini , Domenico Cimarosa , Muzio Clementi , Christoph Willibald กลุค , อันเดรเกรตรี , Pierre-Alexandre Monsigny , Leopold Mozart , จิโอวานนี่ Paisiello , François-André Danican Philidor , Niccolò Piccinni , อันโตนิโอ Salieri , Mauro จูเลียนี , คริสเตียนแคนนาบิชและChevalier de Saint-Georges เบโธเฟนถือได้ว่าเป็นนักแต่งเพลงแนวโรแมนติกหรือนักแต่งเพลงยุคคลาสสิกซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของการเปลี่ยนแปลงไปสู่ยุคโรแมนติก ชูเบิร์ตยังเป็นตัวเลขที่เปลี่ยนผ่านเช่นเดียวกับโยฮันน์ Nepomuk ฮัมเมล , Luigi Cherubini , Gaspare Spontini , Gioachino Rossini , คาร์ลมาเรียฟอนเวเบอร์ , ม.ค. Ladislav DussekและNiccolò Paganini ระยะเวลาบางครั้งจะเรียกว่าเป็นยุคของเวียนนาคลาสสิค (เยอรมัน: Wiener Klassik ) เนื่องจากกลุคไฮ Salieri โมซาร์ทเบโธเฟนและชูเบิร์ตทั้งหมดทำงานอยู่ในกรุงเวียนนา

ในช่วงกลางของศตวรรษที่ 18 ยุโรปเริ่มที่จะย้ายไปยังรูปแบบใหม่ในสถาปัตยกรรมวรรณกรรมและศิลปะที่รู้จักกันโดยทั่วไปว่าเป็นคลาสสิค สไตล์นี้พยายามที่จะเลียนแบบอุดมคติของโบราณคลาสสิกโดยเฉพาะอย่างยิ่งกรีซโบราณ [3]ดนตรีคลาสสิกใช้ความเป็นทางการและเน้นลำดับและลำดับชั้นและรูปแบบที่ "ชัดเจนกว่า" "สะอาดกว่า" ซึ่งใช้การแบ่งส่วนที่ชัดเจนขึ้นระหว่างส่วนต่างๆ (โดยเฉพาะอย่างยิ่งเพลงเดี่ยวที่ชัดเจนพร้อมด้วยคอร์ด) คอนทราสต์ที่สว่างกว่าและ "โทนสี" ( ทำได้โดยการใช้การเปลี่ยนแปลงแบบไดนามิกและการปรับเปลี่ยนคีย์เพิ่มเติม) ในทางตรงกันข้ามกับดนตรีชั้นสูงในยุคบาโรกดนตรีคลาสสิกมุ่งไปสู่ความเรียบง่ายมากกว่าความซับซ้อน นอกจากนี้ขนาดปกติของวงออเคสตราก็เริ่มเพิ่มขึ้น[3]ทำให้ออเคสตร้ามีพลังเสียงมากขึ้น

การพัฒนาความคิดที่โดดเด่นใน " ปรัชญาธรรมชาติ " ได้ก่อตัวขึ้นแล้วในจิตสำนึกสาธารณะ โดยเฉพาะอย่างยิ่งฟิสิกส์ของนิวตัน ถูกนำมาใช้เป็นกระบวนทัศน์: โครงสร้างควรมีรากฐานที่ดีในสัจพจน์และมีทั้งข้อที่ชัดเจนและเป็นระเบียบ รสชาติเพื่อความชัดเจนของโครงสร้างนี้เริ่มส่งผลกระทบต่อเพลงที่ย้ายออกไปจากชั้นพฤกษ์ของยุคบาร็อคที่มีต่อรูปแบบที่เรียกว่าhomophonyซึ่งในทำนองจะเล่นมากกว่าผู้ใต้บังคับบัญชาความสามัคคี [3] การเคลื่อนไหวนี้หมายความว่าคอร์ดกลายเป็นคุณสมบัติที่แพร่หลายมากขึ้นของดนตรีแม้ว่าพวกเขาจะขัดจังหวะความไพเราะของท่อนเดียวก็ตาม ในฐานะที่เป็นผลให้วรรณยุกต์โครงสร้างของชิ้นส่วนของเพลงกลายเป็นเสียงมากขึ้น

รูปแบบใหม่นี้ได้รับการสนับสนุนจากการเปลี่ยนแปลงในลำดับทางเศรษฐกิจและโครงสร้างทางสังคม ในฐานะที่เป็นศตวรรษที่ 18 ความก้าวหน้าไฮโซกลายเป็นลูกค้าหลักของดนตรีในขณะที่รสชาติของประชาชนที่ต้องการมากขึ้นเบา, ตลกการ์ตูนโอเปรา สิ่งนี้นำไปสู่การเปลี่ยนแปลงวิธีการแสดงดนตรีสิ่งที่สำคัญที่สุดคือการย้ายไปยังกลุ่มเครื่องดนตรีมาตรฐานและการลดความสำคัญของความต่อเนื่อง - พื้นฐานจังหวะและฮาร์มอนิกของชิ้นดนตรีโดยทั่วไปเล่นโดยแป้นพิมพ์ ( เปียโนหรือออร์แกน ) และมักจะมาพร้อมกับกลุ่มที่แตกต่างกันของเครื่องมือเบสรวมทั้งเชลโล , ดับเบิลเบส , ซอเบสและtheorbo วิธีการหนึ่งที่จะติดตามการลดลงของ continuo และตนคิดคอร์ดคือการตรวจสอบการหายตัวไปของคำว่าจำต้องมีความหมายเป็นส่วนหนึ่งของเครื่องมือบังคับใช้ในการทำงานของห้องดนตรี ในการประพันธ์แบบบาร็อคสามารถเพิ่มเครื่องดนตรีเพิ่มเติมในกลุ่มต่อเนื่องได้ตามความต้องการของกลุ่มหรือผู้นำ ในการประพันธ์เพลงคลาสสิกทุกส่วนถูกระบุไว้เป็นพิเศษแม้ว่าจะไม่ได้ระบุไว้เสมอไปดังนั้นคำว่า "obbligato" จึงซ้ำซ้อน ในปี 1800 Basso Continu แทบจะสูญพันธุ์ไปแล้วยกเว้นการใช้ชิ้นส่วนท่อออร์แกนต่อเนื่องเป็นครั้งคราวในพิธีมิสซาทางศาสนาในช่วงต้นทศวรรษที่ 1800

การเปลี่ยนแปลงทางเศรษฐกิจยังมีผลกระทบจากการเปลี่ยนแปลงความสมดุลของความพร้อมใช้งานและคุณภาพของนักดนตรี ในขณะที่อยู่ในช่วงปลายยุคบาโรกนักแต่งเพลงคนสำคัญจะมีทรัพยากรทางดนตรีทั้งหมดของเมืองที่จะวาดขึ้นกองกำลังทางดนตรีที่มีอยู่ในบ้านพักล่าสัตว์ของชนชั้นสูงหรือศาลเล็ก ๆ มีขนาดเล็กกว่าและมีระดับความสามารถที่แน่นอนกว่า นี่เป็นการกระตุ้นให้มีชิ้นส่วนที่ง่ายกว่าสำหรับนักดนตรีทั้งวงในการเล่นและในกรณีของกลุ่มนักดนตรีที่มีถิ่นที่อยู่กระตุ้นให้เกิดการเขียนส่วนที่งดงามและเป็นสำนวนสำหรับเครื่องดนตรีบางชนิดเช่นในกรณีของวงออร์เคสตราของMannheimหรือท่อนโซโล่อัจฉริยะสำหรับ นักไวโอลินที่มีความเชี่ยวชาญโดยเฉพาะ นอกจากนี้ความต้องการของผู้ชมที่มีต่อดนตรีใหม่ ๆ จากบาร็อคอย่างต่อเนื่อง นั่นหมายความว่างานจะต้องทำได้ดีที่สุดโดยมีการซ้อมหนึ่งหรือสองครั้ง แม้หลังจากปี 1790 Mozart เขียนเกี่ยวกับ "การซ้อม" โดยมีนัยว่าคอนเสิร์ตของเขาจะมีการซ้อมเพียงครั้งเดียว

เนื่องจากมีการให้ความสำคัญกับบรรทัดเดียวมากขึ้นจึงมีความสำคัญมากขึ้นในการสังเกตบรรทัดนั้นสำหรับพลวัตและการใช้ถ้อยคำ สิ่งนี้แตกต่างกับยุคบาโรกเมื่อท่วงทำนองมักถูกเขียนโดยไม่มีพลวัตเครื่องหมายการใช้ถ้อยคำหรือเครื่องประดับเนื่องจากมีการสันนิษฐานว่าผู้แสดงจะปรับแต่งองค์ประกอบเหล่านี้ให้ตรงจุด ในยุคคลาสสิกเป็นเรื่องปกติมากขึ้นที่นักแต่งเพลงจะระบุตำแหน่งที่พวกเขาต้องการให้นักแสดงเล่นเครื่องประดับเช่นการประดับตกแต่งหรือเปลี่ยน ความเรียบง่ายของพื้นผิวทำให้รายละเอียดของการบรรเลงมีความสำคัญมากขึ้นและยังทำให้การใช้จังหวะที่มีลักษณะเฉพาะเช่นการเปิดพัดลมที่ดึงดูดความสนใจจังหวะการเดินขบวนงานศพหรือแนวเพลงมีความสำคัญมากกว่าในการสร้างและรวมโทนเสียงของการเคลื่อนไหวเพียงครั้งเดียว .

ช่วงเวลาคลาสสิกยังเห็นการพัฒนาแบบค่อยเป็นค่อยไปของโซนาต้าซึ่งเป็นชุดของหลักการโครงสร้างสำหรับดนตรีที่กระทบต่อความชอบแบบคลาสสิกสำหรับเนื้อหาไพเราะกับการพัฒนาฮาร์มอนิกซึ่งสามารถนำไปใช้กับแนวดนตรีได้ โซนาตาตัวเองยังคงเป็นรูปแบบหลักสำหรับเดี่ยวและห้องดนตรีในขณะที่ต่อมาในยุคคลาสสิกที่วงสตริงกลายเป็นรูปแบบที่โดดเด่น ซิมโฟนีแบบฟอร์มสำหรับวงดนตรีที่ถูกสร้างขึ้นในช่วงนี้ (นี่คือประกอบนิยมโจเซฟไฮเดิน ) ประสานเสียงกรอสโซ่ (ประสานเสียงมากกว่าหนึ่งนักดนตรี) ซึ่งเป็นรูปแบบที่นิยมมากในยุคบาร็อคเริ่มที่จะถูกแทนที่ด้วยคอนเดี่ยวที่มีเพียงหนึ่งศิลปินเดี่ยว นักแต่งเพลงเริ่มให้ความสำคัญมากขึ้นกับความสามารถของศิลปินเดี่ยวโดยเฉพาะในการแสดงทักษะความสามารถพิเศษด้วยความท้าทายสเกลที่รวดเร็วและการวิ่งแบบอาร์เพกจิโอ อย่างไรก็ตามบางconcerti Grossiยังคงที่มีชื่อเสียงมากที่สุดซึ่งเป็นของโมซาร์ทซินโฟเนีย Concertante สำหรับไวโอลินและวิโอลาใน E-แฟลตเมเจอร์

วงดนตรีสตริงสมัยใหม่ ในยุค 2000 วงเครื่องสายจากยุคคลาสสิกเป็นหัวใจหลักของวรรณกรรมดนตรีเชมเบอร์ จากซ้ายไปขวา: ไวโอลิน 1, ไวโอลิน 2, เชลโล, วิโอลา

ในยุคคลาสสิกที่มีรูปแบบประกอบด้วยวลีตัดกันตัวเลขไพเราะและจังหวะ วลีเหล่านี้ค่อนข้างสั้นโดยทั่วไปมีความยาวสี่ขีดและบางครั้งอาจดูเบาบางหรือสั้นลง เนื้อเป็นส่วนใหญ่homophonic , [2]กับเพลงที่ชัดเจนเหนือคอร์ดัใต้บังคับบัญชาคลอสำหรับอินสแตนซ์เบสอัลเบอร์ สิ่งนี้แตกต่างกับการปฏิบัติในดนตรีบาร็อคที่โดยทั่วไปแล้วชิ้นส่วนหรือการเคลื่อนไหวจะมีเพียงเรื่องดนตรีเพียงเรื่องเดียวซึ่งจะนำไปใช้เป็นเสียงหลาย ๆ เสียงตามหลักการของความแตกต่างในขณะที่ยังคงรักษาจังหวะหรือมาตรวัดที่สม่ำเสมอตลอดเวลา ด้วยเหตุนี้ดนตรีคลาสสิกจึงมีเนื้อสัมผัสที่เบาและชัดเจนกว่าดนตรีบาร็อค สไตล์คลาสสิกนำมาจากสไตล์เจนจบสไตล์ดนตรีที่เน้นความสง่างามเบา ๆ แทนที่ความจริงจังสง่างามของบาร็อคและความยิ่งใหญ่ที่น่าประทับใจ

โครงสร้างดนตรีคลาสสิกโดยทั่วไปมีความชัดเจนรูปแบบดนตรีที่มีความคมชัดที่ดีที่กำหนดระหว่างยาชูกำลังและที่โดดเด่นนำโดยชัดเจนกระดึบ พลวัตใช้เพื่อเน้นลักษณะโครงสร้างของชิ้นส่วน โดยเฉพาะอย่างยิ่งรูปแบบโซนาต้าและรูปแบบต่างๆได้รับการพัฒนาในช่วงยุคคลาสสิกตอนต้นและมีการใช้งานบ่อยครั้ง วิธีการจัดโครงสร้างแบบคลาสสิกกลับตรงกันข้ามกับบาร็อคซึ่งโดยปกติองค์ประกอบจะเคลื่อนที่ไปมาระหว่างโทนิคและโดนัลด์และกลับมาอีกครั้ง แต่ผ่านความคืบหน้าอย่างต่อเนื่องของการเปลี่ยนแปลงคอร์ดและไม่มีความรู้สึกว่า "มาถึง" ที่คีย์ใหม่ ในขณะที่ความแตกต่างได้รับการเน้นย้ำน้อยลงในช่วงคลาสสิก แต่ก็ไม่ได้ถูกลืมโดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงต่อมาและนักแต่งเพลงยังคงใช้ความแตกต่างในงานที่ "จริงจัง" เช่นซิมโฟนีและวงเครื่องสายรวมถึงชิ้นงานทางศาสนาเช่น Masses

รูปแบบดนตรีคลาสสิกได้รับการสนับสนุนจากการพัฒนาทางเทคนิคในเครื่องดนตรี การนำอารมณ์ที่เท่าเทียมกันมาใช้อย่างกว้างขวางทำให้โครงสร้างดนตรีคลาสสิกเป็นไปได้โดยการตรวจสอบให้แน่ใจว่าจังหวะในทุกคีย์ฟังดูคล้ายกัน เปียโนแล้วเปียโนแทนที่เปียโนที่ช่วยให้ความคมชัดแบบไดนามิกมากขึ้นและท่วงทำนองที่ยั่งยืนมากขึ้น ในช่วงเวลาคลาสสิกเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดมีความสมบูรณ์ยิ่งขึ้นมีเสียงดังและทรงพลังมากขึ้น

วงออร์เคสตรามีขนาดและระยะเพิ่มขึ้นและมีมาตรฐานมากขึ้น เปียโนหรือไปป์ออร์แกน เบส continuoบทบาทในวงดนตรีหลุดออกมาจากการใช้งานระหว่าง 1750 และ 1775 ออกจากสตริงส่วนwoodwindsกลายเป็นส่วนที่ตนเองมีประกอบด้วยclarinets , โอโบ , ขลุ่ยและดอกไม้เทียน

ในขณะที่ดนตรีที่เป็นเสียงร้องเช่นโอเปร่าการ์ตูนเป็นที่นิยม แต่ก็ให้ความสำคัญอย่างยิ่งกับดนตรีบรรเลง ประเภทหลักของดนตรีบรรเลง ได้แก่โซนาต้า , ทรีโอ , วงเครื่องสาย , ควินเต็ท, ซิมโฟนี , คอนแชร์โต (โดยปกติจะใช้เครื่องดนตรีเดี่ยวอัจฉริยะพร้อมด้วยวงออเคสตรา) และเครื่องดนตรีเบา ๆ เช่นเซเรเนดและไดเทติเมนโตส รูปแบบโซนาต้าพัฒนาขึ้นและกลายเป็นรูปแบบที่สำคัญที่สุด มันถูกใช้เพื่อสร้างการเคลื่อนไหวครั้งแรกส่วนใหญ่ผลงานขนาดใหญ่ในซิมโฟนี่และเชือก quartets รูปแบบโซนาต้ายังใช้ในการเคลื่อนไหวอื่น ๆ และในรูปแบบเดี่ยวแบบสแตนด์อโลนเช่นโอเวอร์เรส

การเปลี่ยนแปลงแบบพิสดาร / คลาสสิกค. พ.ศ. 1730–1760

Gluck รายละเอียดของภาพวาดโดย Joseph Duplessisลงวันที่ 1775 ( Kunsthistorisches Museum , Vienna)

ในหนังสือของเขาThe Classical Styleผู้เขียนและนักเปียโนCharles Rosenอ้างว่าตั้งแต่ปี 1755 ถึง 1775 นักแต่งเพลงได้คลำหารูปแบบใหม่ที่มีประสิทธิภาพมากขึ้นอย่างน่าทึ่ง ในช่วง High Baroque การแสดงออกที่น่าทึ่ง จำกัด อยู่ที่การแสดงถึงผลกระทบของแต่ละบุคคล("หลักคำสอนของความเสน่หา" หรือสิ่งที่ Rosen เรียกว่า "ความรู้สึกที่น่าทึ่ง") ตัวอย่างเช่นใน Oratorio Jephthaของ Handel ผู้แต่งจะแสดงอารมณ์สี่อย่างแยกกันสำหรับตัวละครแต่ละตัวในควอเตต "O, reserve your daughter" ในที่สุดการพรรณนาถึงอารมณ์ของแต่ละคนก็ถูกมองว่าเป็นเรื่องง่ายและไม่สมจริง นักประพันธ์พยายามที่จะถ่ายทอดอารมณ์หลาย ๆ อารมณ์พร้อมกันหรือก้าวหน้าภายในตัวละครหรือการเคลื่อนไหวเดียว ("การกระทำที่น่าทึ่ง") ดังนั้นในตอนจบขององก์ที่ 2 ของDie Entführung aus dem Serail ของ Mozartคู่รักจึงเปลี่ยน "จากความสุขผ่านความสงสัยและความโกรธแค้นไปสู่การคืนดีครั้งสุดท้าย" [4]

พูดตามหลักดนตรี "การแสดงละคร" นี้ต้องการความหลากหลายทางดนตรีมากขึ้น ในขณะที่ดนตรีสไตล์บาร็อคนั้นมีความโดดเด่นด้วยความลื่นไหลภายในการเคลื่อนไหวของแต่ละบุคคลและส่วนใหญ่มีพื้นผิวที่สม่ำเสมอนักแต่งเพลงหลังจาก High Baroque พยายามขัดจังหวะกระแสนี้ด้วยการเปลี่ยนแปลงพื้นผิวไดนามิกความกลมกลืนหรือจังหวะอย่างกะทันหัน ท่ามกลางการพัฒนาโวหารซึ่งตามสูงพิสดารอย่างมากที่สุดก็จะเรียกว่าEmpfindsamkeit (เกรี้ยวกราด " รูปแบบความละเอียดอ่อน ") และผู้ประกอบการที่รู้จักกันดีก็คือคาร์ลฟิลิปป์มานูเอลบาค นักแต่งเพลงสไตล์นี้ใช้การขัดจังหวะที่กล่าวถึงข้างต้นในลักษณะที่กะทันหันที่สุดและเพลงอาจฟังดูไร้เหตุผลในบางครั้ง นักแต่งเพลงชาวอิตาลีDomenico Scarlattiได้พัฒนาต่อไป โซนาต้าแป้นพิมพ์แบบเคลื่อนไหวเดี่ยวมากกว่าห้าร้อยตัวของเขายังมีการเปลี่ยนแปลงของพื้นผิวอย่างกะทันหัน แต่การเปลี่ยนแปลงเหล่านี้จัดเป็นช่วงเวลาวลีที่สมดุลซึ่งกลายเป็นจุดเด่นของสไตล์คลาสสิก อย่างไรก็ตามการเปลี่ยนแปลงพื้นผิวของ Scarlatti ยังคงฟังดูกะทันหันและไม่ได้เตรียมตัวไว้ ความสำเร็จที่โดดเด่นของคีตกวีคลาสสิกผู้ยิ่งใหญ่ (Haydn, Mozart และ Beethoven) คือความสามารถของพวกเขาในการสร้างความประหลาดใจที่น่าทึ่งเหล่านี้ให้ฟังดูมีเหตุผลเพื่อให้ "ผู้ที่แสดงออกและสง่างามสามารถร่วมมือกันได้" [4]

ระหว่างการเสียชีวิตของ JS Bach และความเป็นผู้ใหญ่ของ Haydn และ Mozart (ประมาณปี 1750–1770) นักแต่งเพลงได้ทดลองแนวคิดใหม่ ๆ เหล่านี้ซึ่งสามารถเห็นได้ในเพลงของลูกชายของ Bach Johann Christian ได้พัฒนารูปแบบซึ่งปัจจุบันเราเรียกว่าRoccocoซึ่งประกอบไปด้วยพื้นผิวและความกลมกลืนที่เรียบง่ายขึ้นและเป็นรูปแบบที่"มีเสน่ห์ไม่ซับซ้อนและว่างเปล่าเล็กน้อย" ดังที่ได้กล่าวไว้ก่อนหน้านี้คาร์ลฟิลิปป์เอ็มมานูเอลพยายามเพิ่มความดราม่าและเพลงของเขา "รุนแรงแสดงออกสดใสน่าประหลาดใจอย่างต่อเนื่องและมักจะไม่ต่อเนื่องกัน" และในที่สุดวิลเฮล์มฟรีดเดมันน์ลูกชายคนโตของเจเอสบาคได้ขยายประเพณีบาร็อคด้วยวิธีที่แปลกใหม่และแหวกแนว [5]

ตอนแรกรูปแบบใหม่เข้ามาในรูปแบบบาร็อคที่ประกอบไปด้วยดาโป้เพลงที่ซินโฟเนียและประสานเสียง -but ประกอบกับชิ้นส่วนที่เรียบง่ายตกแต่ง notated มากขึ้นมากกว่าเครื่องประดับชั่วคราวที่อยู่ร่วมกันในยุคบาร็อคและส่วนที่สำคัญมากขึ้นของ ชิ้นเป็นส่วน ๆ อย่างไรก็ตามเมื่อเวลาผ่านไปความสวยงามแบบใหม่ทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงอย่างรุนแรงในการประกอบชิ้นส่วนต่างๆเข้าด้วยกันและรูปแบบที่เป็นทางการขั้นพื้นฐานก็เปลี่ยนไป นักแต่งเพลงในช่วงเวลานี้ต้องการเอฟเฟกต์ที่น่าทึ่งท่วงทำนองที่โดดเด่นและพื้นผิวที่ชัดเจนขึ้น การเปลี่ยนแปลงทางเนื้อสัมผัสครั้งใหญ่อย่างหนึ่งคือการเปลี่ยนไปจากรูปแบบโพลีโฟนิกที่ซับซ้อนและหนาแน่นของบาร็อคซึ่งมีการเล่นแนวไพเราะหลายสายพร้อมกันและไปทางโฮโมโฟนีซึ่งเป็นพื้นผิวที่เบากว่าซึ่งใช้ทำนองเดียวที่ชัดเจนพร้อมกับคอร์ด

โดยทั่วไปแล้วดนตรีบาร็อคจะใช้จินตนาการของฮาร์มอนิกและส่วนโพลีโฟนิกที่เน้นโครงสร้างของชิ้นดนตรีน้อยลงและมีการเน้นวลีดนตรีที่ชัดเจนน้อยกว่า ในสมัยคลาสสิกฮาร์โมนีกลายเป็นเรื่องง่ายขึ้น อย่างไรก็ตามโครงสร้างของชิ้นส่วนวลีและแรงจูงใจที่ไพเราะหรือเป็นจังหวะเล็ก ๆ น้อย ๆ มีความสำคัญมากกว่าในยุคบาโรก

Sonata ของMuzio Clementiใน G minor, No. 3, Op. 50, "Didone abbandonata", การเคลื่อนไหวของอะดาจิโอ

การหยุดพักที่สำคัญอีกอย่างหนึ่งในอดีตคือการยกเครื่องโอเปร่าครั้งใหญ่โดยChristoph Willibald Gluckผู้ซึ่งตัดส่วนของเครื่องประดับหลายชั้นและอิมโพรไวส์ออกไปและมุ่งเน้นไปที่ประเด็นของการมอดูเลตและการเปลี่ยนแปลง ด้วยการทำให้ช่วงเวลาเหล่านี้ที่ความกลมกลืนเปลี่ยนจุดสนใจมากขึ้นทำให้เขาสามารถเปลี่ยนสีอารมณ์ของดนตรีได้อย่างมีพลัง เพื่อเน้นการเปลี่ยนเหล่านี้เขาใช้การเปลี่ยนแปลงในการวัด ( ประสาน ) ทำนองเพลงและโหมด ในบรรดานักประพันธ์เพลงที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดของเวลาของเขากลับกลายเป็นกลุคเลียนแบบจำนวนมากรวมทั้งอันโตนิโอ Salieri การให้ความสำคัญกับความสามารถในการเข้าถึงทำให้ประสบความสำเร็จอย่างมากในโอเปร่าและในเพลงเสียงอื่น ๆ เช่นเพลงออราทีโอและคอรัส สิ่งเหล่านี้ถือเป็นดนตรีประเภทที่สำคัญที่สุดสำหรับการแสดงและด้วยเหตุนี้จึงประสบความสำเร็จอย่างยิ่งใหญ่ต่อสาธารณชน

ช่วงระหว่างบาร็อคและการเพิ่มขึ้นของคลาสสิก (ประมาณปี 1730) เป็นที่ตั้งของรูปแบบดนตรีที่แข่งขันกันหลายแบบ ความหลากหลายของเส้นทางศิลปะเป็นตัวแทนของลูกชายของโยฮันน์เซบาสเตียนบาค : วิลเฮล์มฟรีดมันน์บาคผู้สืบสานประเพณีบาโรกในลักษณะส่วนตัว โยฮันน์คริสเตียนบาคผู้ซึ่งทำให้พื้นผิวของบาร็อคเรียบง่ายและมีอิทธิพลต่อโมสาร์ทอย่างชัดเจนที่สุด และคาร์ลฟิลิปป์เอ็มมานูเอลบาคผู้แต่งเพลงที่เร่าร้อนและรุนแรงในบางครั้งของขบวนการEmpfindsamkeit วัฒนธรรมดนตรีถูกจับที่ทางแยก: ปรมาจารย์ในรูปแบบเก่ามีเทคนิค แต่ผู้คนต่างหลั่งไหลไปหาสิ่งใหม่ นี่เป็นสาเหตุหนึ่งที่ทำให้ CPE Bach ได้รับความสนใจอย่างสูง: เขาเข้าใจรูปแบบเก่า ๆ ค่อนข้างดีและรู้วิธีการนำเสนอในชุดใหม่ด้วยรูปแบบที่หลากหลายมากขึ้น

พ.ศ. 2393–1775

ภาพของ Haydn โดย Thomas Hardy , 1792

ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1750 มีศูนย์กลางของรูปแบบใหม่ที่เฟื่องฟูในอิตาลีเวียนนามันไฮม์และปารีส มีการแต่งซิมโฟนีหลายสิบเพลงและมีวงดนตรีของผู้เล่นที่เกี่ยวข้องกับโรงละครดนตรี โอเปร่าหรือเพลงร้องอื่น ๆ ที่มาพร้อมกับวงออเคสตราเป็นลักษณะของงานดนตรีส่วนใหญ่โดยมีคอนแชร์โตและซิมโฟนี (ที่เกิดจากการทาบทาม ) ทำหน้าที่เป็นเครื่องสอดแทรกและบทนำสำหรับโอเปร่าและการบริการของคริสตจักร ในช่วงคลาสสิกซิมโฟนีและคอนแชร์โตได้รับการพัฒนาและนำเสนอโดยไม่ขึ้นกับเสียงดนตรี

โมสาร์ทเขียนไดเทอร์ติเมนโตสหลายชิ้นซึ่งเป็นเครื่องดนตรีประเภทเบาที่ออกแบบมาเพื่อความบันเทิง นี่เป็นการเคลื่อนไหวครั้งที่ 2 ของ Divertimento ของเขาใน E-flat major, K. 113

"ปกติ" ออเคสตร้าวง-ร่างของสตริงเสริมด้วยลมและการเคลื่อนไหวของตัวละครโดยเฉพาะจังหวะที่ถูกจัดตั้งขึ้นโดยปลายยุค 1750 ในกรุงเวียนนา อย่างไรก็ตามความยาวและน้ำหนักของชิ้นส่วนยังคงมีลักษณะแบบบาร็อค: การเคลื่อนไหวของแต่ละบุคคลยังคงเน้นที่ "ผลกระทบ" (อารมณ์ดนตรี) หรือมีส่วนตรงกลางที่ตัดกันอย่างชัดเจนเพียงชิ้นเดียวและความยาวของพวกเขาก็ไม่ได้มากกว่าการเคลื่อนไหวแบบบาร็อคอย่างมีนัยสำคัญ ยังไม่มีทฤษฎีที่ชัดเจนเกี่ยวกับวิธีการเรียบเรียงในรูปแบบใหม่ มันเป็นช่วงเวลาที่สุกงอมสำหรับการพัฒนา

เจ้านายที่ยิ่งใหญ่ครั้งแรกของสไตล์เป็นนักแต่งเพลงโจเซฟไฮเดิน ในช่วงปลายยุค 1750 เขาเริ่มเขียนซิมโฟนีและ 1761 เขาได้แต่งอันมีค่า ( เช้า , เที่ยงและเย็น ) อย่างสมบูรณ์ในโหมดร่วมสมัย ในฐานะรอง - KapellmeisterและKapellmeister ในเวลาต่อมาผลผลิตของเขาขยายตัว: เขาแต่งเพลงซิมโฟนีมากกว่าสี่สิบเพลงในช่วงปี 1760 เพียงอย่างเดียว และในขณะที่ชื่อเสียงของเขาเติบโตขึ้นเมื่อวงออเคสตราของเขาขยายวงและการแต่งเพลงของเขาก็ถูกคัดลอกและเผยแพร่ออกไปเสียงของเขาก็เป็นเพียงเสียงเดียวในหลาย ๆ คน

ในขณะที่นักวิชาการบางคนแนะนำว่า Haydn ถูกโมสาร์ทและเบโธเฟนบดบัง แต่ก็เป็นการยากที่จะพูดเกินความเป็นศูนย์กลางของ Haydn ไปสู่รูปแบบใหม่และด้วยเหตุนี้ในอนาคตของดนตรีศิลปะตะวันตกโดยรวม ในช่วงเวลาก่อนที่ความเด่นของโมซาร์ทหรือเบโธเฟนและโยฮันน์เซบาสเตียนบาคเป็นที่รู้จักกันส่วนใหญ่จะชื่นชอบเพลงของแป้นพิมพ์ไฮถึงสถานที่ในเพลงที่ตั้งเขาข้างต้นนักประพันธ์เพลงอื่น ๆ ทั้งหมดยกเว้นบางทียุคบาร็อคของจอร์จเฟรดริกฮันเดล Haydn ใช้ความคิดที่มีอยู่และปรับเปลี่ยนวิธีการทำงานของพวกเขาอย่างรุนแรง - ทำให้เขาได้รับตำแหน่ง "บิดาแห่งซิมโฟนี " และ "บิดาแห่งวงเครื่องสาย "

หนึ่งของกองกำลังที่ทำงานเป็นแรงผลักดันสำหรับการกดไปข้างหน้าเป็นกวนแรกของสิ่งที่ต่อมาจะเรียกว่ายวนใจ -The พายุคาดไม่ถึงแดหรือ "พายุและความเครียด" ขั้นตอนในศิลปะช่วงเวลาสั้น ๆ ที่เห็นได้ชัดและน่าทึ่งตื่นเต้นเป็น ความชอบโวหาร ดังนั้น Haydn จึงต้องการคอนทราสต์ที่น่าทึ่งมากขึ้นและท่วงทำนองที่ดึงดูดอารมณ์มากขึ้นพร้อมกับบุคลิกที่เฉียบคมและความเป็นตัวของตัวเองในชิ้นงานของเขา ช่วงเวลานี้จางหายไปในดนตรีและวรรณกรรม: อย่างไรก็ตามมันมีอิทธิพลต่อสิ่งที่ตามมาและในที่สุดก็จะเป็นส่วนประกอบของรสนิยมทางสุนทรียภาพในทศวรรษต่อมา

The Farewell Symphonyหมายเลข 45 ใน F ♯ minor แสดงให้เห็นถึงการผสมผสานความต้องการที่แตกต่างกันของสไตล์ใหม่ของ Haydn เข้ากับการเลี้ยวที่เฉียบคมอย่างน่าประหลาดใจและอะดาจิโอที่ช้าเป็นเวลานานเพื่อยุติการทำงาน ในปีพ. ศ. 2315 Haydn ได้ทำบทประพันธ์ของเขาออกมาเป็นชุดเครื่องสายหกชุดจำนวน 20 ชุดซึ่งเขาได้ใช้เทคนิคโพลีโฟนิกที่เขารวบรวมมาจากยุคบาโรกก่อนหน้านี้เพื่อให้การเชื่อมโยงกันของโครงสร้างสามารถรวบรวมความคิดที่ไพเราะของเขาไว้ด้วยกันได้ สำหรับบางคนสิ่งนี้นับเป็นจุดเริ่มต้นของสไตล์คลาสสิก "ผู้ใหญ่" ซึ่งช่วงเวลาแห่งปฏิกิริยาต่อต้านความซับซ้อนแบบบาโรกในช่วงปลายส่งผลให้เกิดการผสมผสานองค์ประกอบแบบบาร็อคและคลาสสิกเข้าด้วยกัน

พ.ศ. 2318–1790

Wolfgang Amadeus Mozart ภาพวาดมรณกรรมของ Barbara Krafft ในปี 1819

Haydn ทำงานเป็นผู้อำนวยเพลงให้กับเจ้าชายมากว่าสิบปีมีทรัพยากรและขอบเขตในการแต่งเพลงมากกว่านักแต่งเพลงคนอื่น ๆ ส่วนใหญ่ ตำแหน่งของเขายังทำให้เขามีความสามารถในการกำหนดกองกำลังที่จะเล่นดนตรีของเขาเนื่องจากเขาสามารถเลือกนักดนตรีที่มีทักษะได้ โอกาสนี้ไม่สูญเปล่าเนื่องจาก Haydn ซึ่งเริ่มต้นอาชีพของเขาค่อนข้างเร็วพยายามที่จะผลักดันเทคนิคการสร้างและพัฒนาแนวคิดในดนตรีของเขา ความก้าวหน้าที่สำคัญครั้งต่อไปของเขาอยู่ในวงเครื่องสาย Opus 33 (1781) ซึ่งความไพเราะและบทบาทของฮาร์มอนิกจะเชื่อมโยงกันระหว่างเครื่องดนตรี: มักจะไม่ชัดเจนในชั่วขณะว่าเมโลดี้คืออะไรและความสามัคคีคืออะไร สิ่งนี้เปลี่ยนวิธีการทำงานของวงดนตรีระหว่างช่วงเวลาที่น่าทึ่งของการเปลี่ยนแปลงและช่วงเวลาสำคัญ: ดนตรีไหลลื่นและไม่มีการหยุดชะงักอย่างเห็นได้ชัด จากนั้นเขาก็ใช้สไตล์ผสมผสานนี้และเริ่มใช้กับดนตรีออเคสตร้าและเสียงร้อง

เปิดบาร์ของ ARIA Commendatore ในโมซาร์ทโอเปร่า Don Giovanni วงออเคสตราเริ่มต้นด้วยคอร์ดที่เจ็ดที่ลดลงอย่างไม่สอดคล้องกัน (G # dim7 พร้อมกับ B ในเบส) ย้ายไปยัง คอร์ดที่เจ็ดที่โดดเด่น (A7 ที่มี C # ในเบส) ก่อนที่จะเปลี่ยนเป็น คอร์ดโทนิค (D minor) ที่ทางเข้าของนักร้อง

ของขวัญที่เป็นดนตรีของ Haydn เป็นวิธีการแต่งวิธีหนึ่งในการจัดโครงสร้างผลงานซึ่งในเวลาเดียวกันก็สอดคล้องกับสุนทรียะของรูปแบบใหม่ อย่างไรก็ตามWolfgang Amadeus Mozartร่วมสมัยที่อายุน้อยกว่าได้นำความอัจฉริยะของเขามาสู่แนวคิดของ Haydn และนำมาใช้กับสองประเภทหลักของวันนี้: โอเปร่าและคอนเสิร์ตประสานเสียงอัจฉริยะ ในขณะที่ Haydn ใช้เวลาส่วนใหญ่ในชีวิตการทำงานในฐานะนักแต่งเพลงในศาล Mozart ต้องการความสำเร็จของสาธารณชนในชีวิตคอนเสิร์ตของเมืองต่างๆโดยเล่นให้กับคนทั่วไป นั่นหมายความว่าเขาจำเป็นต้องเขียนโอเปราและเขียนและแสดงผลงานที่มีความสามารถพิเศษ Haydn ไม่ใช่อัจฉริยะในระดับการเดินทางระหว่างประเทศ และเขาไม่ได้พยายามสร้างผลงานโอเปราต์ที่สามารถเล่นได้หลายคืนต่อหน้าผู้ชมจำนวนมาก โมสาร์ทต้องการบรรลุทั้งสองอย่าง ยิ่งไปกว่านั้นโมสาร์ทยังมีรสนิยมในการเล่นคอร์ดสีมากขึ้น (และความแตกต่างที่มากขึ้นในภาษาฮาร์มอนิกโดยทั่วไป) ความรักที่มากขึ้นในการสร้างท่วงทำนองของดนตรีในงานเดียวและมีความรู้สึกแบบอิตาลีมากขึ้นในดนตรีโดยรวม เขาพบในดนตรีของ Haydn และต่อมาในการศึกษาเรื่องพฤกษ์ของJS Bachวิธีการสร้างวินัยและเสริมสร้างของขวัญทางศิลปะของเขา

ครอบครัวโมสาร์ทค. 1780 ภาพเหมือนบนผนังเป็นของแม่ของโมสาร์ท

โมสาร์ทได้รับความสนใจอย่างรวดเร็วจาก Haydn ผู้ซึ่งยกย่องนักแต่งเพลงคนใหม่ศึกษาผลงานของเขาและคิดว่าชายหนุ่มที่อายุน้อยกว่าเขาเป็นเพื่อนแท้ทางดนตรีเพียงคนเดียวของเขา ในโมสาร์ท Haydn พบเครื่องมือที่หลากหลายเอฟเฟกต์ที่น่าทึ่งและทรัพยากรไพเราะ ความสัมพันธ์ในการเรียนรู้เคลื่อนไปในทั้งสองทิศทาง โมสาร์ทยังให้ความเคารพอย่างสูงต่อนักแต่งเพลงที่มีอายุมากและมีประสบการณ์สูงและพยายามเรียนรู้จากเขา

การมาถึงเวียนนาของโมซาร์ทในปี พ.ศ. 2323 ทำให้การพัฒนารูปแบบคลาสสิกเป็นไปอย่างรวดเร็ว ที่นั่นโมสาร์ทได้ซึมซับการผสมผสานระหว่างความฉลาดของอิตาลีและความเหนียวแน่นแบบดั้งเดิมที่เกิดขึ้นในช่วง 20 ปีก่อนหน้านี้ รสนิยมของเขาเองสำหรับความสดใสที่ฉูดฉาดท่วงทำนองและตัวเลขที่ซับซ้อนเป็นจังหวะท่วงทำนองCantilena ที่ยาวนานและความเจริญรุ่งเรืองของนักดนตรีถูกผสานเข้ากับความซาบซึ้งในการเชื่อมโยงกันอย่างเป็นทางการและความเชื่อมโยงภายใน เมื่อถึงจุดนี้เองที่สงครามและภาวะเงินเฟ้อทางเศรษฐกิจได้หยุดแนวโน้มไปสู่วงออเคสตราที่มีขนาดใหญ่ขึ้นและบังคับให้มีการยุบวงหรือลดวงออเคสตราละครจำนวนมาก สิ่งนี้กดสไตล์คลาสสิกไว้ข้างใน: มุ่งสู่การแสวงหาวงดนตรีและความท้าทายทางเทคนิคที่มากขึ้นตัวอย่างเช่นการกระจายทำนองไปทั่วสายลมไม้หรือใช้ทำนองเพลงที่ประสานกันเป็นสามส่วน กระบวนการนี้ให้ความสำคัญกับดนตรีขนาดเล็กที่เรียกว่าเชมเบอร์มิวสิก นอกจากนี้ยังนำไปสู่แนวโน้มในการแสดงต่อสาธารณะมากขึ้นทำให้เกิดการเพิ่มขึ้นของวงเครื่องสายและการจัดกลุ่มวงดนตรีขนาดเล็กอื่น ๆ

ในช่วงทศวรรษนี้รสนิยมของสาธารณชนเริ่มมากขึ้นเรื่อย ๆ เพื่อรับรู้ว่า Haydn และ Mozart มีองค์ประกอบที่มีมาตรฐานสูง เมื่อโมซาร์ทมาถึงอายุ 25 ปีในปี พ.ศ. 2324 รูปแบบที่โดดเด่นของเวียนนาเชื่อมโยงกับการเกิดขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 1750 ของสไตล์คลาสสิกตอนต้น ในตอนท้ายของทศวรรษที่ 1780 การเปลี่ยนแปลงในการฝึกซ้อมการแสดงจุดยืนที่สัมพันธ์กันของดนตรีบรรเลงและเสียงร้องความต้องการทางเทคนิคเกี่ยวกับนักดนตรีและความเป็นเอกภาพทางโวหารได้กลายเป็นที่ยอมรับในนักแต่งเพลงที่เลียนแบบโมสาร์ทและเฮย์น ในช่วงทศวรรษนี้โมสาร์ทได้แต่งโอเปร่าที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขาซิมโฟนีหกชิ้นที่ช่วยกำหนดแนวเพลงใหม่และวงดนตรีเปียโนคอนเสิร์ตที่ยังคงยืนหยัดอยู่ในจุดสูงสุดของรูปแบบเหล่านี้

นักแต่งเพลงคนหนึ่งที่มีอิทธิพลในการเผยแพร่รูปแบบที่จริงจังมากขึ้นที่ Mozart และ Haydn สร้างขึ้นคือMuzio Clementiนักเปียโนอัจฉริยะที่มีพรสวรรค์ซึ่งเชื่อมโยงกับ Mozart ในการแสดงดนตรี "ดวล" ต่อหน้าจักรพรรดิซึ่งพวกเขาแต่ละคนเล่นเปียโนและแสดงดนตรี . โซนาต้าของ Clementi สำหรับเปียโนแพร่หลายไปทั่วและเขากลายเป็นนักแต่งเพลงที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในลอนดอนในช่วงทศวรรษที่ 1780 นอกจากนี้ในลอนดอนในเวลานี้Jan Ladislav Dussekซึ่งเช่นเดียวกับ Clementi ได้สนับสนุนให้ผู้ผลิตเปียโนขยายขอบเขตและคุณสมบัติอื่น ๆ ของเครื่องดนตรีของพวกเขาจากนั้นใช้ประโยชน์จากความเป็นไปได้ที่เพิ่งเปิดใหม่อย่างเต็มที่ ความสำคัญของลอนดอนในยุคคลาสสิกมักถูกมองข้าม แต่ที่นี่ทำหน้าที่เป็นที่ตั้งของโรงงานบรอดวูดสำหรับการผลิตเปียโนและเป็นฐานของนักแต่งเพลงที่แม้จะมีชื่อเสียงน้อยกว่า "เวียนนาสคูล" แต่ก็มีอิทธิพลชี้ขาดต่อสิ่งที่เกิดขึ้น ในภายหลัง. พวกเขาเป็นผู้ประพันธ์ผลงานชั้นดีมากมายและมีชื่อเสียงในด้านขวาของตัวเอง รสนิยมด้านความมีคุณธรรมของลอนดอนอาจช่วยกระตุ้นการทำงานของเนื้อเรื่องที่ซับซ้อนและคำแถลงเพิ่มเติมเกี่ยวกับยาชูกำลังและความโดดเด่น

ประมาณปีค. ศ. 1790–1820

เมื่อ Haydn และ Mozart เริ่มแต่งเพลงซิมโฟนีจะเล่นเป็นท่วงทำนองเดียวก่อนระหว่างหรือสอดแทรกภายในงานอื่น ๆ และหลายเพลงใช้เวลาเพียงสิบหรือสิบสองนาที กลุ่มเครื่องดนตรีมีมาตรฐานการเล่นที่แตกต่างกันและความต่อเนื่องเป็นส่วนสำคัญของการทำเพลง

ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาโลกโซเชียลของดนตรีได้เห็นการเปลี่ยนแปลงอย่างมาก สิ่งพิมพ์และการท่องเที่ยวระหว่างประเทศเติบโตขึ้นอย่างรวดเร็วและสังคมคอนเสิร์ตได้ก่อตัวขึ้น สัญกรณ์มีความเฉพาะเจาะจงมากขึ้นมีคำอธิบายมากขึ้นและแผนผังสำหรับงานได้รับการปรับให้เรียบง่ายขึ้น (แต่ก็มีความหลากหลายมากขึ้นในการทำงานที่แน่นอน) ใน 1790 ก่อนการเสียชีวิตของโมซาร์ทที่มีชื่อเสียงของเขาในการแพร่กระจายอย่างรวดเร็วไฮเดินทรงตัวสำหรับชุดของความสำเร็จที่โดดเด่น oratorios ผู้ล่วงลับของเขาและซิมโฟนี่ลอนดอน คีตกวีในปารีส , โรมและทั่วเยอรมนีหันไป Haydn และ Mozart สำหรับความคิดของพวกเขาในรูปแบบ

ภาพเหมือนของ Beethoven โดย Joseph Karl Stieler , 1820

ในช่วงทศวรรษที่ 1790 นักแต่งเพลงรุ่นใหม่ที่เกิดในราวปี 1770 ได้ถือกำเนิดขึ้น ในขณะที่พวกเขาเติบโตมาพร้อมกับรูปแบบก่อนหน้านี้พวกเขาได้ยินในผลงานล่าสุดของ Haydn และ Mozart ว่าเป็นยานพาหนะสำหรับการแสดงออกที่ดีขึ้น ในปีพ. ศ. 2331 Luigi Cherubini ได้ตั้งรกรากในปารีสและในปีพ. ศ. 2334 ได้แต่งเพลงLodoiskaซึ่งเป็นโอเปร่าที่ทำให้เขามีชื่อเสียง รูปแบบของมันคืออย่างชัดเจนสะท้อนของผู้ใหญ่ไฮและโมซาร์ทและเครื่องมือของมันทำให้มันมีน้ำหนักที่ยังไม่ได้รับความรู้สึกในการแสดงโอเปร่าที่ยิ่งใหญ่ สมัยÉtienne Mehulขยายผลกระทบที่มีประโยชน์กับ 1790 โอเปร่าEuphrosine et Coradinจากที่ตามแบบของความสำเร็จ แรงผลักดันสุดท้ายสู่การเปลี่ยนแปลงมาจากGaspare Spontiniซึ่งได้รับการชื่นชมอย่างมากจากนักแต่งเพลงแนวโรแมนติกในอนาคตเช่น Weber, Berlioz และ Wagner ภาษาฮาร์มอนิกที่เป็นนวัตกรรมใหม่ของโอเปราของเขาเครื่องมือที่ได้รับการขัดเกลาและตัวเลขปิด "enchained" ของพวกเขา (รูปแบบโครงสร้างซึ่งต่อมาได้รับการรับรองโดย Weber ใน Euryanthe และจากเขาส่งผ่านมาร์ชเนอร์ไปจนถึงแว็กเนอร์) ได้สร้างพื้นฐานจากภาษาฝรั่งเศสและ โอเปร่าโรแมนติกของเยอรมันมีจุดเริ่มต้น

คนรุ่นใหม่ที่มีชะตากรรมมากที่สุดคือลุดวิกฟานเบโธเฟนผู้ซึ่งเปิดตัวผลงานที่มีหมายเลขของเขาในปี 1794 ด้วยชุดเปียโนสามชุดซึ่งยังคงอยู่ในละคร ค่อนข้างอายุน้อยกว่าคนอื่น ๆ แม้ว่าจะประสบความสำเร็จอย่างเท่าเทียมกันเพราะการศึกษาความอ่อนเยาว์ของเขาภายใต้ Mozart และฝีมือแม่ของเขาเป็นโยฮันน์ Nepomuk ฮัมเมล ฮัมเมลศึกษาภายใต้ Haydn เช่นกัน; เขาเป็นเพื่อนของเบโธเฟนและฟรานซ์ชูเบิร์ต เขาจดจ่ออยู่กับเปียโนมากกว่าเครื่องดนตรีอื่น ๆ และช่วงเวลาของเขาในลอนดอนในปี 1791 และ 1792 ได้สร้างองค์ประกอบและการตีพิมพ์ในปี 1793 จากโซนาตาสเปียโนสามเรื่องบทประพันธ์ 2 ซึ่งใช้เทคนิคของโมสาร์ทโดยใช้สำนวนในการหลีกเลี่ยงจังหวะที่คาดไว้และบางครั้ง Clementi ก็เป็นแบบสุภาพ การกำหนดค่าอัจฉริยะที่ไม่แน่นอน เมื่อนำมารวมกันแล้วนักแต่งเพลงเหล่านี้จะถูกมองว่าเป็นแนวหน้าของการเปลี่ยนแปลงรูปแบบในวงกว้างและเป็นศูนย์กลางของดนตรี พวกเขาศึกษาผลงานของกันและกันคัดลอกท่าทางของกันและกันในดนตรีและในบางครั้งก็มีพฤติกรรมเหมือนคู่แข่งที่ชอบทะเลาะวิวาท

ความแตกต่างที่สำคัญกับคลื่นก่อนหน้านี้สามารถเห็นได้จากการเปลี่ยนท่วงทำนองที่ลดลงระยะเวลาที่เพิ่มขึ้นของการเคลื่อนไหวการยอมรับ Mozart และ Haydn ว่าเป็นกระบวนทัศน์การใช้ทรัพยากรคีย์บอร์ดมากขึ้นการเปลี่ยนจากการเขียนแบบ "แกนนำ" เป็นการเขียนแบบ "เปียโน" แรงดึงที่เพิ่มขึ้นของผู้เยาว์และความคลุมเครือของกิริยาและความสำคัญที่เพิ่มขึ้นของตัวเลขประกอบที่แตกต่างกันเพื่อนำ "พื้นผิว" ไปข้างหน้าเป็นองค์ประกอบในดนตรี ในระยะสั้นคลาสสิกตอนปลายกำลังมองหาดนตรีที่มีความซับซ้อนมากขึ้นภายใน การเติบโตของสังคมคอนเสิร์ตและวงออเคสตร้าสมัครเล่นซึ่งแสดงให้เห็นถึงความสำคัญของดนตรีในฐานะส่วนหนึ่งของชีวิตชนชั้นกลางส่งผลให้ตลาดเปียโนดนตรีเปียโนและนักดนตรีอาชีพที่เฟื่องฟูเป็นตัวอย่าง Hummel, Beethoven และ Clementi ล้วนมีชื่อเสียงในด้านการแสดงด้นสด

อิทธิพลโดยตรงของบาร็อคยังคงจางหายไป: เสียงเบสที่คิดได้มีความโดดเด่นน้อยลงเมื่อเป็นเครื่องมือในการรวมตัวกันการปฏิบัติงานในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 ยังคงหายไป อย่างไรก็ตามในขณะเดียวกันก็เริ่มมีปรมาจารย์บาร็อคฉบับสมบูรณ์และอิทธิพลของสไตล์บาร็อคยังคงเติบโตอย่างต่อเนื่องโดยเฉพาะอย่างยิ่งในการใช้ทองเหลืองอย่างกว้างขวางมากขึ้น คุณลักษณะอีกประการหนึ่งของช่วงเวลาดังกล่าวคือจำนวนการแสดงที่เพิ่มขึ้นเรื่อย ๆ โดยที่นักแต่งเพลงไม่อยู่ สิ่งนี้นำไปสู่การเพิ่มรายละเอียดและความจำเพาะในสัญกรณ์ ตัวอย่างเช่นมีส่วน "ไม่บังคับ" น้อยกว่าที่แยกออกจากคะแนนหลัก

แรงของการเปลี่ยนแปลงเหล่านี้เห็นได้ชัดจากซิมโฟนีลำดับที่ 3 ของเบโธเฟนโดยได้รับชื่อEroicaซึ่งเป็นภาษาอิตาลีสำหรับ "วีรบุรุษ" โดยผู้ประพันธ์ เช่นเดียวกับThe Rite of Spring ของ Stravinsky อาจไม่ใช่ครั้งแรกในนวัตกรรมทั้งหมด แต่การใช้ทุกส่วนของสไตล์คลาสสิกในเชิงรุกทำให้แตกต่างจากผลงานร่วมสมัยทั้งในด้านความยาวความทะเยอทะยานและทรัพยากรฮาร์มอนิกเช่นกัน .

มุมมองของเวียนนาในปี 1758 โดย Bernardo Bellotto

The First Viennese Schoolเป็นชื่อที่ใช้เรียกนักแต่งเพลงสามคนในยุคคลาสสิกในเวียนนาปลายศตวรรษที่ 18 ได้แก่ Haydn, Mozart และ Beethoven Franz Schubertถูกเพิ่มเข้ามาในรายการเป็นครั้งคราว

ในประเทศที่พูดภาษาเยอรมันจะใช้คำว่าWiener Klassik ( lit.Viennese classical era / art ) คำที่มักจะถูกนำไปใช้อย่างกว้างขวางมากขึ้นในยุคคลาสสิกในเพลงเป็นทั้งเป็นวิธีที่จะแตกต่างจากช่วงเวลาอื่น ๆ ที่ถูกเรียกขานว่าเป็นคลาสสิกคือบาร็อคและเพลงโรแมนติก

คำว่า "Viennese School" ถูกใช้ครั้งแรกโดยนักดนตรีชาวออสเตรีย Raphael Georg Kiesewetter ในปีพ. ศ. 2377 แม้ว่าเขาจะนับเฉพาะ Haydn และ Mozart เป็นสมาชิกของโรงเรียนก็ตาม นักเขียนคนอื่น ๆ ตามชุดสูทและในที่สุดเบโธเฟนก็ถูกเพิ่มเข้าไปในรายการ [6]การแต่งตั้ง "ครั้งแรก" จะถูกเพิ่มในวันนี้เพื่อหลีกเลี่ยงความสับสนกับสองโรงเรียนเวียนนา

ในขณะที่ชูเบิร์ตแยกจากกันนักแต่งเพลงเหล่านี้รู้จักกันอย่างแน่นอน (โดยที่ Haydn และ Mozart เป็นคู่หูดนตรีร่วมสมัยเป็นครั้งคราว) ไม่มีความรู้สึกใดที่พวกเขามีส่วนร่วมในความพยายามร่วมกันในแง่ที่ว่าใครจะเชื่อมโยงกับโรงเรียนในศตวรรษที่ 20 เช่นสองโรงเรียนเวียนนาหรือLes หก และไม่มีความสำคัญใด ๆ ที่นักแต่งเพลงคนหนึ่งถูก "เรียน" โดยอีกคนหนึ่ง (ในแบบที่ Berg และ Webern ได้รับการสอนโดย Schoenberg) แม้ว่าจะเป็นความจริงที่ Beethoven ได้รับบทเรียนจาก Haydn ในช่วงเวลาหนึ่ง

ความพยายามที่จะขยายโรงเรียนเวียนนาแห่งแรกเพื่อรวมบุคคลในภายหลังเช่นAnton Bruckner , Johannes BrahmsและGustav Mahlerเป็นเพียงนักข่าวและไม่เคยพบในวิชาการดนตรีวิทยา

2418 ภาพวาดสีน้ำมันของ Franz Schubert โดย Wilhelm August Riederหลังจากภาพสีน้ำของเขาในปี 1825

ยุคดนตรีและรูปแบบรูปแบบและเครื่องดนตรีที่แพร่หลายแทบจะไม่หายไปในคราวเดียว ในทางกลับกันคุณลักษณะต่างๆจะถูกแทนที่เมื่อเวลาผ่านไปจนกระทั่งวิธีการเดิม ๆ ถูกมองว่า "ล้าสมัย" สไตล์คลาสสิกไม่ได้ "ตาย" กะทันหัน; แต่มันจะค่อยๆค่อยๆหายไปภายใต้น้ำหนักของการเปลี่ยนแปลง เพื่อให้เป็นเพียงตัวอย่างเดียวในขณะที่มีการระบุโดยทั่วไปว่ายุคคลาสสิกหยุดใช้ฮาร์ปซิคอร์ดในออเคสตร้าสิ่งนี้ไม่ได้เกิดขึ้นในทันทีเมื่อเริ่มต้นยุคคลาสสิกในปี 1750 แต่วงออเคสตราได้หยุดใช้ฮาร์ปซิคอร์ดในการเล่นอย่างช้าๆBasso ต่อเนื่องจนกระทั่งการปฏิบัติถูกยกเลิกในตอนท้ายของปี 1700

ภาพเหมือนของ Mendelssohn โดย James Warren Childe , 1839

หนึ่งการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญคือการเปลี่ยนแปลงไปสู่ศูนย์กลางของพระพุทธศาสนา "flatward" คีย์: กะในภายทิศทาง[ ต้องการชี้แจง ]ในรูปแบบคลาสสิกคีย์หลักนั้นพบได้บ่อยกว่ารองลงมาคือ chromaticism ถูกกลั่นกรองโดยใช้การมอดูเลตแบบ "sharpward" (เช่นชิ้นส่วนใน C major modulating เป็น G major, D major หรือ A major ซึ่งทั้งหมดนี้เป็นคีย์ มีเซียนมากขึ้น) เช่นกันส่วนต่างๆในโหมดรองมักใช้เพื่อความคมชัด เริ่มต้นด้วย Mozart และ Clementi เริ่มมีการล่าอาณานิคมของภูมิภาคย่อยที่กำลังคืบคลานเข้ามา (คอร์ด ii หรือ IV ซึ่งในคีย์ของ C major จะเป็นคีย์ของ d minor หรือ F major) ด้วยชูเบิร์ตการปรับเปลี่ยนโดเมนย่อยได้เฟื่องฟูหลังจากที่ถูกนำมาใช้ในบริบทที่นักแต่งเพลงรุ่นก่อน ๆ จะ จำกัด ตัวเองให้อยู่กับการเปลี่ยนแปลงที่โดดเด่น (การปรับคอร์ดที่โดดเด่นเช่นในคีย์ของ C major การปรับเป็น G major) สิ่งนี้ทำให้ดนตรีมีสีเข้มขึ้นเพิ่มความแข็งแกร่งให้กับโหมดรองและทำให้โครงสร้างดูแลรักษายากขึ้น เบโธเฟนส่วนร่วมในการนี้โดยการใช้ที่เพิ่มขึ้นของเขาที่สี่เป็นความสอดคล้องกันและกิริยาคลุมเครือตัวอย่างเช่นการเปิดตัวของซิมโฟนีหมายเลข 9 ที่ดีกว่า

ฟรานซ์ชูเบิร์ต , คาร์ลมาเรียฟอนเวเบอร์และจอห์นฟิลด์อยู่ในหมู่ที่โดดเด่นที่สุดในรุ่นของ "โปรโตโรแมนติก" นี้พร้อมกับหนุ่มเฟลิกซ์ Mendelssohn รูปแบบของพวกเขาได้รับอิทธิพลอย่างมากจากสไตล์คลาสสิก ในขณะที่พวกเขายังไม่ได้ "เรียนรู้" คีตกวี (เลียนแบบกฎเกณฑ์ที่คนอื่นเขียน) แต่พวกเขาก็ตอบสนองโดยตรงกับผลงานของเบโธเฟนโมซาร์ทเคลเมนติและคนอื่น ๆ ตามที่พวกเขาพบ กองกำลังที่ใช้ในการบรรเลงในวงออเคสตราก็ค่อนข้าง "คลาสสิก" ทั้งในด้านจำนวนและความหลากหลายทำให้มีความคล้ายคลึงกับงานคลาสสิก

อย่างไรก็ตามกองกำลังที่ถูกกำหนดให้ยุติการยึดมั่นในสไตล์คลาสสิกได้รวบรวมความแข็งแกร่งในผลงานของนักแต่งเพลงหลายคนข้างต้นโดยเฉพาะเบโธเฟน สิ่งที่ถูกอ้างถึงมากที่สุดคือนวัตกรรมฮาร์มอนิก สิ่งสำคัญคือการมุ่งเน้นที่เพิ่มขึ้นในการมีรูปแบบประกอบที่ต่อเนื่องและเป็นจังหวะสม่ำเสมอ: Moonlight Sonata ของ Beethovenเป็นต้นแบบของชิ้นส่วนต่อมาอีกหลายร้อยชิ้นโดยที่การเคลื่อนไหวที่ขยับไปมาของรูปทรงที่เป็นจังหวะให้ความดราม่าและความน่าสนใจของงานในขณะที่ทำนองเพลง ลอยอยู่เหนือมัน ความรู้ที่มากขึ้นเกี่ยวกับผลงานความเชี่ยวชาญในการบรรเลงมากขึ้นการเพิ่มขึ้นของเครื่องดนตรีที่หลากหลายการเติบโตของสังคมคอนเสิร์ตและการครอบงำของเปียโนที่ทรงพลังมากขึ้นอย่างไม่หยุดยั้ง (ซึ่งได้รับเสียงที่ชัดเจนและดังขึ้นจากการพัฒนาทางเทคโนโลยีเช่นการใช้สายเหล็ก โครงเหล็กหล่อหนักและสายที่สั่นสะเทือนอย่างเห็นอกเห็นใจ) ล้วนสร้างผู้ชมจำนวนมากสำหรับดนตรีที่มีความซับซ้อน แนวโน้มทั้งหมดนี้มีส่วนทำให้สไตล์ "โรแมนติก" เปลี่ยนไป

การวาดเส้นแบ่งระหว่างรูปแบบทั้งสองนี้เป็นเรื่องยากมาก: บางส่วนของผลงานในภายหลังของโมสาร์ทที่นำมาคนเดียวแยกไม่ออกว่ากลมกลืนและเรียบเรียงจากดนตรีที่เขียนใน 80 ปีต่อมาและนักประพันธ์บางคนยังคงเขียนในรูปแบบคลาสสิกเชิงบรรทัดฐานจนถึงต้นศตวรรษที่ 20 ก่อนที่เบโธเฟนจะเสียชีวิตนักแต่งเพลงเช่นLouis Spohrเป็นคนที่อธิบายตัวเองเกี่ยวกับความโรแมนติกโดยผสมผสานเช่นการใช้สีที่ฟุ่มเฟือยมากขึ้นในงานของพวกเขา (เช่นการใช้ความกลมกลืนของสีในความก้าวหน้าของคอร์ด ) ในทางกลับกันผลงานเช่นซิมโฟนีหมายเลข 5 ของชูเบิร์ตซึ่งเขียนขึ้นในช่วงรุ่งอรุณของยุคโรแมนติกจัดแสดงกระบวนทัศน์ทางศิลปะแบบไม่ตามกาลเวลาโดยเจตนาซึ่งย้อนกลับไปสู่รูปแบบการประพันธ์เมื่อหลายสิบปีก่อน

อย่างไรก็ตามการล่มสลายของเวียนนาในฐานะศูนย์กลางดนตรีที่สำคัญที่สุดสำหรับการประพันธ์ดนตรีในช่วงปลายทศวรรษที่ 1820 ซึ่งตกตะกอนโดยการเสียชีวิตของเบโธเฟนและชูเบิร์ตถือเป็นคราสสุดท้ายของสไตล์คลาสสิกและการสิ้นสุดของการพัฒนาอินทรีย์อย่างต่อเนื่องของการเรียนรู้ของนักแต่งเพลงคนหนึ่งในบริเวณใกล้เคียงกับ อื่น ๆ Franz LisztและFrédéric Chopinไปเยี่ยมเวียนนาเมื่อพวกเขายังเด็ก แต่จากนั้นพวกเขาก็ย้ายไปเมืองอื่น นักแต่งเพลงเช่นCarl Czernyในขณะที่ได้รับอิทธิพลอย่างลึกซึ้งจาก Beethoven ก็ค้นหาแนวความคิดใหม่ ๆ และรูปแบบใหม่ ๆ เพื่อรวบรวมโลกแห่งการแสดงออกทางดนตรีและการแสดงที่กว้างขึ้นซึ่งพวกเขาอาศัยอยู่

ความสนใจที่เพิ่มขึ้นใหม่ในความสมดุลอย่างเป็นทางการและความยับยั้งชั่งใจของดนตรีคลาสสิกในศตวรรษที่ 18 นำไปสู่การพัฒนารูปแบบนีโอคลาสสิกในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 ซึ่งมีหมายเลขStravinskyและProkofievอยู่ในกลุ่มผู้เสนออย่างน้อยก็ในบางช่วงเวลาในอาชีพของพวกเขา

Fortepiano โดย Paul McNulty หลังจาก Walter & Sohn, c. 1805

กีตาร์

กีตาร์บาร็อคที่มีสายคู่สี่หรือห้าชุดหรือ "คอร์ส" และซาวด์โฮลที่ได้รับการตกแต่งอย่างประณีตเป็นเครื่องดนตรีที่แตกต่างจากกีตาร์คลาสสิกในยุคแรกซึ่งมีลักษณะใกล้เคียงกับเครื่องดนตรีสมัยใหม่ที่มีมาตรฐานหกสายมากกว่า ตัดสินจากจำนวนคู่มือการใช้งานที่ตีพิมพ์สำหรับเครื่องดนตรี - มีการตีพิมพ์ข้อความมากกว่าสามร้อยเล่มโดยผู้เขียนกว่าสองร้อยคนระหว่างปี 1760 ถึง 1860 ซึ่งเป็นยุคคลาสสิกเป็นยุคทองของกีตาร์ [7]

สตริง

ในยุคบาโรกมีการใช้เครื่องสายแบบโค้งคำนับที่หลากหลายมากขึ้นในวงดนตรีโดยมีการใช้เครื่องดนตรีเช่นวิโอลาอามอร์และไวโอลินที่ทำให้หงุดหงิดหลายประเภทตั้งแต่ไวโอลินขนาดเล็กไปจนถึงไวโอลินเบสขนาดใหญ่ ในช่วงคลาสสิกส่วนสตริงของวงออร์เคสตราได้รับการกำหนดมาตรฐานให้เป็นเครื่องดนตรีสี่ชนิด:

• ไวโอลิน (ในออเคสตร้าและดนตรีแชมเบอร์โดยทั่วไปจะมีไวโอลินตัวแรกและไวโอลินตัวที่สองโดยที่ก่อนหน้านี้เล่นเมโลดี้และ / หรือไลน์ที่สูงกว่าและตัวหลังเล่นทั้งแบบตอบโต้ส่วนประสานความสามัคคีส่วนที่อยู่ใต้สายไวโอลินแรกในระดับเสียง หรือสายดนตรีประกอบ)
• วิโอลา (เสียงอัลโตของส่วนวงดนตรีออเคสตราและวงเครื่องสายมักจะใช้ "เสียงด้านใน" ซึ่งเป็นเสียงประกอบที่เติมเต็มความกลมกลืนของท่อน)
• เชลโล (เชลโลมีบทบาทสองอย่างในดนตรียุคคลาสสิกในบางครั้งมันถูกใช้เพื่อเล่นเบสไลน์ของท่อนโดยปกติจะเพิ่มเป็นสองเท่าด้วยดับเบิลเบส [หมายเหตุ: เมื่อเชลโลและดับเบิลเบสอ่านเบสไลน์เดียวกันเบสจะเล่นอ็อกเทฟด้านล่าง เชลโลเนื่องจากเบสเป็นเครื่องมือในการขนย้าย] และในบางครั้งมันก็ทำท่วงทำนองและโซโลในรีจิสเตอร์ที่ต่ำกว่า)
• ดับเบิ้ลเบส (โดยทั่วไปแล้วเสียงเบสจะมีระดับเสียงต่ำสุดในส่วนของสตริงเพื่อให้ได้เบสไลน์สำหรับชิ้นส่วน)

ในยุคบาร็อคผู้เล่นดับเบิลเบสมักจะไม่ได้แยกส่วนกัน โดยทั่วไปแล้วพวกเขาจะเล่นเบส ไลน์แบบต่อเนื่องเบสไลน์แบบเดียวกับที่เชลโลและเครื่องดนตรีเสียงต่ำอื่น ๆ (เช่นทฤษฏีเครื่องเป่าลมพญานาคการละเมิด ) แม้ว่าจะมีคู่แปดอยู่ใต้เชลโลก็ตามเนื่องจากดับเบิลเบสเป็นเครื่องดนตรีที่เปลี่ยนเสียงซึ่งให้เสียงหนึ่งอ็อกเทฟ ต่ำกว่าที่เขียนไว้ ในยุคคลาสสิกนักแต่งเพลงบางคนยังคงเขียนเพียงท่อนเดียวสำหรับซิมโฟนีของพวกเขาซึ่งมีชื่อว่า "เบส"; ส่วนเบสนี้เล่นโดยนักเล่นเชลโลและนักเบสคู่ ในช่วงยุคคลาสสิกนักแต่งเพลงบางคนเริ่มให้เสียงดับเบิลเบสในส่วนของตัวเอง

เครื่องเป่าลม

• คลาริเน็ต Basset
• แตร Basset
• คลาริเน็ตต์ดามัวร์
• คลาริเน็ตคลาสสิก
• Chalumeau
• ขลุ่ย
• Oboe
• บาสซูน

กระทบ

• ทิมปานี
• " เพลงตุรกี ":
  • เบสกลอง
  • ฉาบ
  • สามเหลี่ยม

คีย์บอร์ด

• คลาวิคอร์ด
• Fortepiano (ผู้บุกเบิกเปียโนสมัยใหม่)
• เปียโน
• เปียโนมาตรฐานยุคบาร็อคเบส continuoเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดถูกนำมาใช้จนยุค 1750 หลังจากที่เวลามันก็ค่อย ๆ เลือนหายออกไปและแทนที่ด้วยเปียโนแล้วเปียโน ในช่วงต้นทศวรรษที่ 1800 ฮาร์ปซิคอร์ดไม่ได้ใช้งานอีกต่อไป

ทองเหลือง

• Buccin
• Ophicleide - แทนที่ " งู " ซึ่งเป็นเครื่องดนตรีประเภทเบสซึ่งเป็นสารตั้งต้นของทูบา
• แตรฝรั่งเศส
• ทรัมเป็ต
• ทรอมโบน

• รายชื่อคีตกวียุคคลาสสิก

• ดาวน์ฟิลิปกรัม (2535). ดนตรีคลาสสิก: ยุคของไฮโมซาร์ทและเบโธเฟนฉบับที่ 4 ของนอร์ตันรู้เบื้องต้นเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ดนตรีWW Norton ISBN  0-393-95191-X (ปกแข็ง)
• ยาแนวโดนัลด์เจย์ ; Palisca, Claude V. (1996). ประวัติดนตรีตะวันตกฉบับที่ห้า WW Norton ISBN  0-393-96904-5 (ปกแข็ง)
• ฮันนิง, บาร์บารารัสซาโน ; ยาแนวโดนัลด์เจย์ (1998 rev.2006). ประวัติโดยสังเขปของดนตรีตะวันตกWW Norton ISBN  0-393-92803-9 (ปกแข็ง)
• Kennedy, Michael (2006), The Oxford Dictionary of Music , 985 หน้า, ISBN  0-19-861459-4
• ลิโฮโร, ทิม; ทอดสตีเฟ่น (2004). สตีเฟ่นทอดของที่ไม่สมบูรณ์และ Utter ประวัติศาสตร์ของดนตรีคลาสสิก บ็อกซ์ทรี. ไอ 978-0-7522-2534-0
• Rosen, Charles (1972 ขยายตัวในปี 1997) สไตล์คลาสสิกนิวยอร์ก: WW Norton ISBN  978-0-393-04020-3 (ฉบับขยายพร้อมซีดี 1997)
• Taruskin, Richard (2005, rev. Paperback version 2009). Oxford History of Western Music . สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยออกซ์ฟอร์ด (สหรัฐฯ) ISBN  978-0-19-516979-9 (ปกแข็ง), ISBN  978-0-19-538630-1 (ปกอ่อน)

• Classical Net  - เว็บไซต์อ้างอิงเพลงคลาสสิก
• คะแนนฟรีโดยนักแต่งเพลงคลาสสิกหลายคนที่โครงการห้องสมุดดนตรีสากล (IMSLP)